martes, 6 de diciembre de 2011

Conjunción de estrellas en el infierno:The Fugitive Kind

Hace algunos dias ví esta pelicula que en castellano se llamó "Piel de Serpiente" dirigida por Sydney Lumet en 1959, basada en un libro de Tennesse William "La caida de Orfeo"  y cuyo guión lo escribió el mismo escritor y que reúne una conjuncion de estrellas como son Marlon Brando, Anna Magnani, Joanne Woodward y Maureen  Spleton.
Es una historia donde el infierno y las almas atormentadas se sitúan en  el Sur profundo de USA, en un pueblo húmedo y caliente, la enfermedad fisica y mental rodea la atmosféra, donde la crueldad y la intolerancia son normas de vida. Sucio como su gente, donde no podemos ni culpar a nadie ni culparlos a todos porque es el infierno, tanto las víctimas como los víctimarios son inhumanos y miserables. A ese lugar llega Val Xavier, con su guitarra, huyendo de una vida asqueadora  y poseedor de una chaqueta de piel de serpiente, que nos advierte que él puede cambiar, pero alli en ese infierno, encuentra  cómo la vida trata a las personas cegándolas por el odio, el rencor y Val se quema con ellos en el fuego de sus pasiones, odios, rencores. El infierno de vivir atado a los recuerdos del pasado, revolcándose en el dolor de sus malas decisiones. El dolor lleva al odio, jamás a la redención. Ni una pizca de amor ni bondad hay en esta pelicula..
Pero de todos los personajes el más doloroso y a la vez visionario, es el de Joanne Woodward, por cuya actuacion ganó un premio en el Festival de San Sebastián . Su actuación en la película da un brillo especial a todo  esa vida de miserias y enfermedades , ella es como el coro griego de las tragedias, al verla me recordó a Daryl Hannah, como Pris en Blade Runner, que es la inocencia brutal y despiadada.  Maquillada de la misma manera que maquillaron a  Pris. Su actuación es fabulosa y creo que es justo ponerla como un icono angelical y gótico..La juventud que grita y se rebela primero en la protesta politica y luego el alcoholismo y en el desprecio a sus mayores, que son monstruos que le construyeron su futuro..perdida y desterrada del Infierno Carol Cutrere, personificado magistralmente por Joanne Woodward, nos estruja el corazon...

lunes, 5 de diciembre de 2011

Los niños actores







La historia del cine muestra claramente que la carrera del niño actor hay que aprovecharla a tope porque dura estrictamente la niñez y algún poquito de adolescencia. La gloria se mantiene unos pocos años y con una marca que pocos superan. Eso lo tienen claro los empresarios de cine, por lo que la aprovechan al máximo. Antes, era mucho más dramática la situación, mayor explotación, menos derechos y menos dinero, aunque así y todo muchísimo dinero para los años 30, 40 o 50. No se pueden comparar los cerca de 50 millones de dólares ganados por el inglés Daniel Radcliffe (Harry Potter) al final de su famosa serie, a los 1000 y 1500 dólares semanales que ganaban Freddie Bartolomew (El pequeño Lord, Capitanes Intrépidos) o Bobby Driscoll (La isla del tesoro, Canción del Sur) que de todas maneras hicieron fortunas que sus padres mal administraron, por no decir, dilapidaron. Eran otros tiempos. A Freddie Barotolomew, por ejemplo, los padres le perdieron hasta el último centavo en un litigio que duró dos años contra una tía que quería su custodia. O sea, al final, nadie disfrutó de lo ganado por Freddie, ni siquiera él. Lo de Bobby Driscoll fue mucho más dramático, a los 17 años y después de mucho sacarle el jugo al prodigioso niño actor, lo tiraron ya drogadicto por inservible, sin ayuda, no pudo salir de su terrible situación y pasó a ser un homeless hasta que a principios de los 60 fue encontrado muerto en la calle. Como Bobby, muchos se pasaron a la droga, además de Bobby Driscoll: Corey Haim (The lost boys) que intentó rehabilitarse con la ayuda de su amigo Corey Feldman, pero en el 2010 fue encontrado muerto por sobredosis. Brad Renfro (El Cliente) enviado al olvido luego de un par de películas, también entra en el mundo de la droga y muere por sobredosis en el 2008. River Phoenix (Stand by Me) que fue encontrado muerto de la misma manera en la puerta de un club nocturno.  Actualmente Haley Joel Osment, el niño de Sexto Sentido estaría preso por consumo y tenencia de drogas... y suma y sigue.
Han sido cientos los niños y niñas que nos maravillaron, especialmente, en el cine norteamericano, pero pocos los que permanecieron en su carrera como Drew Barrymore, Jodie Foster o Ana Paquin. Algo se tiene que aprender de la historia, coño, por lo que hoy en día existen mayores probabilidades de mantener la carrera con el giro a la madurez. Eso sí, siempre que hayas crecido guapo y listo... no nos pasemos.
Mi admiración va hacia todos, a los de antaño y a los de ahora.

domingo, 6 de noviembre de 2011

La doble vida de Verónica




Dos veces vi esta película buscando encontrar algo que, me pareció, no llegué a ver la primera vez; pero no, creo que no había mucho más, por lo menos para mis entendederas. Es un bello film de una fotografía magnífica por sus imágenes ( por ejemplo, la escena del reflejo de luz en su habitación que viene de afuera, genial todo, la luz y la imagen) y su juego de color con el dorado y el sepia. El director y guionista se llama Krzysztof Kieslowski, polaco y cuenta la historia de dos jóvenes (Irene Jacob): una francesa: Veronique y otra polaca: Veronika. Físicamente son iguales; ambas nacidas el mismo día, ambas con notable condición para el canto y ambas con una afección cardíaca. No se conocen, pero Veronique, en un viaje a Cracovia, mientras saca fotos a unos manifestastes desde un autobús, sin darse cuenta, fotografía también a Veronika que va pasando y que sí ha visto a Veronique,  por lo que se  queda perpleja mirándola hasta que el bus se pierde de vista. Veronika, dado lo severo de su afección muere a los pocos días en el teatro en plena representación. Hasta ese momento, ambas sentían que no estaban solas, y cuando muere Veronika, Veronique deja su carrera de canto y se hace profesora de música. No sabe por qué, sólo sabe que tiene que hacerlo. ¿Un aviso? Asi parece. El director entra en estas sensaciones de las “Verónicas” además de la música y el sexo. Todo muy ligado, son básicamente las fuerzas que las mueven.

Pensé primero en un mensaje esotérico o fantástico,  que el director estaba planteándolo de ese punto de vista, no de una realidad. Pero cuando la vi la segunda vez, y considerando  lo estrechamente que percibimos la realidad, pude ampliarla abarcando todo lo que tiene de esotérico y fantástico la vida, la muerte, nuestra existencia en general.

La música de Zbigniew Preisner es bellísima. Juega perfectamente en el todo de la peli. La recomiendo.

viernes, 4 de noviembre de 2011

HOLLYWOOD

Me pregunto a veces del por qué de mi placer por las películas clásicas hollywoodenses y leyendo por ahí encontré una entrevista que le hicieron a Slavoj Žižek , sí!!! ese filósofo, periodista y cineasta slovenio y lacaniano, y de allí elegí algo que traduce  de alguna manera  lo que tengo quiero decir "Hollywood es ambiguo pero esto es análisis de valor. Los productos de Hollywood son los mejores indicadores sobre dónde nos estamos moviendo en nuestra ideología colectiva. Si miras a la realidad ésta es confusa, pero en Hollywood tú consigues la versión destilada de la realidad. Al mismo tiempo, en la marginalidad de Hollywood tú encuentras directores tales como Robert Altman y Woody Allen. Si ignoras a Hollywood terminas por copiar lo peor de Hollywood. "

 Mi gran inconciente personal , es silencioso y se traduce a veces  en  una series de  fotos antiguas , acompañadas, no siempre, de alguna leyenda simpática,  esas fotos  colgaban en casas de mis abuelos  o de mis tiasabuelas, esa parte de mi  quedó muda en mis recuerdos, además   veo a  mi abuela con gran acierto sintonizando con el  piano, las andanzas de esas capturas mudas. Vengo de genes amantes del teatro, del cine y la buena vida, que actúan conjuntamente con mis genes revolucionarios de mi padre y bisabuelo paterno, el gran desconocido que luchó en la revolucion del 91 y que colgado en una pared por allí , con su   bigotito y cuello duro prevalecen con dulzura en lo que soy hoy día y que me deleito cuando veo una pelicula muda, color sepia.

Mi niñez  no siempre fué para mi un cuento de hadas, en 1951 fusilaron con gran revuelo a un criminal, lo sé porque lo busqué en internet, tenía seis años y recuerdo que por entonces contaba cuentos a mis hermanas y a la vez mi padre me contaba sobre este criminal llamado "Tucho Caldera  que asesinó al turco Amar en  San Felipe  cortándolo en pedacitos", mi papá, me parece estuvo estudiando el caso muy de  cerca, incluso fué a visitarlo a la cárcel, aquí me pierdo yo  porque estoy segura que tambien me llevó a verlo. Me acuerdo de una foto en la revista Vea, la cara del Tucho entre barrotes,  pero no está él ahora para sacarme de esta duda. Era tal la forma que mi papa contaba las cosas que me pone en duda, me llevaría mi papa a la cárcel o yo lo soñe? Mi padre era capaz de una cosa así.

Bueno el Tucho, fue un asesino con una conducta aberrante, asi cuenta la crónica,  dicen que cuando lo fusilaron gritó a los que morbosamente tienen que ser espectadores de la sentencia-!Miren asi muere un hombre! y se desabrochó la camisa..y plas cayó al suelo acribillado por las balas de la sociedad. Todo eso lo pongo en duda, porque asi es la vida.

El cine mudo y el de antes del código Hays, me enternece ...sabemos que la realidad es confusa, es cambiante, es eterna, por eso el cine capta esos momentos y te los muestra una y otra vez , si quieres, sacándote de tu inconciente personal para caer de piquero en el inconciente colectivo.
Gracias cine!


miércoles, 26 de octubre de 2011

Miss Lulu Bett.

Hace poco ví una película muda encantadora, creo que si una logra entrar en este mundo del cine mudo, es muy dificil salir. Con esta pelicula algo se abrió dentro de mi, como si una mano delicada tomara de la mia y me invitara a entrar en el salón comedor de los Deacon, que no es precisamente limpio ni hermoso, porque en esos tiempos la mugre no se veia, no habia conciencia de la mugre ni de lo rancio, como me paso cuando en mi viaje a Valparaíso entré en  el Cafe Riquet y en  el Samoiedo, cafeterías famosas que se mantienen  como en  una película muda, inconcientes  de la mugre y  de lo añejo, pero que no le quitan  encanto a la situación.
.  Miss Lulu es el retrato de millones de mujeres que vivieron allegadas en las casas de sus propias familias, explotadas y humilladas, que ni se les ocurria salir a trabajar y no se casaban porque este tipo de uniones familiares son nudos Gordianos imposibles de deshacer, la historia de Lulu, es un ejemplo de cómo se liberaron algunas   mujeres, llevadas por la desesperacion ( fuerza divina),  cortándose la champa de pelo de metro y medio ,  acortándo los vestidos, cortando  esos lazos familiares pegajosos y simbióticos, saliendo a buscar sus propias vidas, no importa lo que la sociedad te ofreciera, ya sea prostituirte, trabajar en lo que sea, casarse, estudiar; esto es tema para otra peli..jejeje  
La pelicula Miss Lulu Bett dirigida por William Churchill de Mille, hermano mayor del Cesar B, y sus actores son , para la cultura general , Lois Milton como la "pobre Lulu" y entre otros Milton Sills.

La trama es buena porque creo que aqui se plantea el abuso psicológico que puede una familia provocar   con su falta de conciencia de ellos mismos, su falta de humanidad y egoísmo infantil, Lulu es la hermana menor de la esposa de Mister Deacon,  vive allegada a la casa familiar, sirviendo de doncella, sufriendo un mal trato casi de esclava, siendo humillada en cada momento por la inconciencia familiar. Un día llega a casa, desde muy lejos, el vividor hermano de Mr Deacon, simpático y agradable y que es el primer hombre  amable con Lulu, que es fea y apocada. Por una broma estúpida, Lulu se casa con su concuñado y se van de la casa, Lulu acepta sólo por salir de esa cárcel, pero a la semana tiene que volver porque el bueno de su marido  estaba casado con otra.
Mientras estuvo fuera de casa, los Deacon se hacen concientes de la falta que les hace Lulu, de que sin ella la casa no es nada, solo  desorden y desorganizacion, por eso Lulu es bienvenida, solo que ellos le piden que no cuente la verdad, suceden algunas cosas que llevan a Lulu a darse cuenta que ya nada la ata a ese hogar que no es el de ella. Y se larga, sin antes hacer un escándalo en la cocina, lugar donde ella vivia, pegarle a su cuñado un cacerolazo y a su hermana diciendole que se las arregle sola..Y Lulu se va libre...
 Sabemos al final que Lulu, encuentra en menos de un mes un trabajo en una panaderia y aprende a coquetear con el maestro del pueblo. 

miércoles, 19 de octubre de 2011

No mostrarás el ombligo!!

  En el país de las libertades  tienen una historia repleta de códigos de censura, entre los más ridículos está el Código Hays, que comenzó a regir desde 1934 hasta 1954, fue confeccionado por los mismos productores cinematográficos para protegerse de los juicios continuos  de las iglesias  y los politícos republicanos y moralistas  y así  no perder dinero sufriendo el cierre de las salas de cine  y por otro lado proteger  a la industria americana del cine extranjero  y según dicen como una manera de frenar las locuras de las cuales eran protagonistas los actores y gente del mundo del cine, léase por ahí el escándalo de Fatty Arbuckle.
A este Código se le llamó así en honor a  su primer presidente William Hays, que entre sus puestos públicos fue presidente del partido Republicano. Este Código tenia por objeto idear unos parámetros de conducta que afectarian toda la tematica de las peliculas, rigiendo los argumentos y desarrollo de la producción, dando así el gusto a lo  más conservador y reaccionario de la nación norteamericana. Podrán encontrar por ahí las ridículas normas a las cuales se tuvieron que autosujetar los productores. Creo que si lo hubiesen respetado al pie de la letra, Humphrey Bogart habría tenido que usar sotana y Ava Gardner sólo podría haber actuado de madre de un bebé rubio y bien gordito simbolo de la felicidad y moralidad yanki.
Por la señal de la Cruz, película procode Hays


Los malos de la película siempre tenían que morir o regenerarse  por la iluminación o de la sonrisa de un niño, las mujeres prostitutas siempre morían o se convertían en las buenas esposas  y madres de bebés gorditos , nunca se podía dar a entender que los negocios delictivos daban fortuna y bienestar, como lo hacían a todo trapo las películas mudas  (ver lo que escribí en el post la Virgen Casada). Los desnudos estaban prohibidos y cualquier alusión a la infidelidad, la bisexualidad, la homosexualidad,  estaba vedado, estas conductas  no existen .
El gran guionista y escritor Ben Hecht dice en sus memorias que el cine «ha introducido en la mente de los norteamericanos más información falsa en una noche que toda la Edad Media en una década. Todos los días, en las quince mil salas, siempre se veía la misma trama: el triunfo de la virtud y la derrota de la maldad». 
En las películas no hay «problemas laborales, políticos, domésticos ni anomalías sexuales» que no puedan «resolverse
felizmente con una sencilla frase cristiana o una buena máxima norteamericana»'.
 

Es una buena idea deleitarse mirando películas mudas y del cine sonoro hasta  el  1934 y nos daremos cuenta de que iba la cosa y entenderemos cuánto daño se ha hecho a la mentalidad y al espiritu de una nación, éste  fue  periódo ambiguo, desde las consecuencias de la  Gran Guerra, las sufragistas, la Ley Seca, el KKK, las huelgas , los sindicatos, las mujeres trabajadoras, las faldas cortas, el Crack y la Depresión, el desempleo y el corte de pelo  a lo garzón. Fue por lo tanto un tiempo  rico en discusiones y crecimiento intelectual, pero esta lucha  no podía durar mucho, tenía que tomar una dirección y fueron   los conservadores recalcitrantes, dueños de los bancos y del dólar los que  lograron  meter su mano negra a través de leyes y censura, acallando las voces de los libres pensadores, de todo aquel que pensaba diferente, canalizando sus ideas de un mundo mentiroso e inexistente en las aguas del cine ,  las películas pasaron a ser  la proyección de un mundo hipócrita, que sirvió para modelar las mentes de los burros que manejan ahora el mundo.

Una pelicula hecha bajo el codigo Hays  fue "Perdición" cuyo tema esta basado en un crimen que tuvo lugar en 1927  en la gran manzana de NYC, y que James Cain inspirado por este acontecimiento, escribió la novela  que fue llevada a la pantalla por Billy Wilder a pesar del Codigo Hays, que violaba todos los preceptos de la censura, el guion fué escrito por el mismo Wilder con Raymond Chandler escribieron el mejor guion de la historia del cine. Teniendo que sufrir la condena de la ley divina y ser apresados.


 


La caza de brujas vino a coronar el Código Hays persiguiendo y encarcelando a muchos, llevando a otros al ostrasismo y al olvido absoluto. Castrando a una sociedad.






sábado, 10 de septiembre de 2011

Patricio Guzmán y el documental



No se puede escribir sobre cine sin mencionar también los documentales, hay de todo tipo: Crimenes estúpidos, muertes sin sentido, catastrofes varias, animales, enfermedades raras, enfermedades comunes, flores, plantas, como sobrevivir con una piedra una navaja y dos migas de pan, etc etc.

Pero el más entrañable cineasta en el terreno de los documentales -para mí-es Patricio Guzmán, tiene una delicadeza, una manera de llevarnos a los hechos que marcaron la historia del pueblo chileno sin demasiadas emociones, pero siempre tocando esa vena humana que pocos recuerdan que existe. Sin regodearse en el dolor, sin aspavientos ni torpeza.

Tiene unos cuantos documentales que todos conocemos, o muchos de los chilenos saben que existen, les guste o no.No hablo del cine documental chileno, hablo de los documentales de Patricio Guzman. Entre los cuales están, por supuesto, La batalla de Chile en tres partes por lo que recibió premios en Francia, Belgica, España, Cuba, etc. La rosa de los vientos, Mexico Precolombino, En nombre de dios, La cruz del sur, Pueblo en Vilo, Chile, la memoria obstinada, El caso Pinochet.

Yo vi la mayoria de estos documentales antes citados, y en todos me queda esa sensación, de exposición de hechos históricos, ficticios o reales , narrados con respeto y sin exacerbarse , ni exagerar. Es un mero narrador que no resulta ni pesado, ni frio , ni indiferente. Es esencial.

Su último documental es una maravilla, La nostalgia de la luz. Donde se refleja la inquietud del ser humano que busca en las estrellas una informacion equipado de su paciencia y sus intrumentos que lo tienen mirando hacia el cielo mientras en la tierra hay mujeres que buscan incansablemente los restos de sus familiares. Una señora decia que deberia de haber un instrumental que , como en el cielo, se pudiera enfocar hacia la tierra y encontrar lo que uno busca sin excavar y excavar incesantemente y asi no habría desaparecidos.

Patricio Guzman sobre el documental “Nostalgia de la luz” (Fuente: KINOKI)

“Quiero mostrar la identidad de ese paí­s hoy. Quiero saber qué es, en qué situación está la juventud sobre todo, qué pasa con el tema de la memoria”.

“Hay mucha pobreza, mucha desigualdad, pero no desconozco que ha habido gran progreso también”, admitió el autor de “Salvador Allende” (2004), “El caso Pinochet” (2001) y “La memoria obstinada” (1997), entre otros documentales.

Para Guzmán, en general “hay déficit de la democracia que hay que corregir” que él atribuye a “una desconexión enorme entre la superestructura y lo que ocurre (en las capas sociales más bajas)” de las sociedades.

“Mientras la democracia no se revitalice, no baje a la calle, creo que se corre el riesgo de que el populismo gane”, abundó Guzmán, quien pone de ejemplo de cierta indiferencia lo que ocurre en su Chile natal.

“Hay una participación que va en aumento, pero no es ni remotamente como en la época de antes del golpe de estado (1973), cuando la polí­tica era una pasión que involucraba a todas las esferas de la vida”, admite.

Buena parte de ese escepticismo cree que en el caso de Chile, deriva del régimen que encabezó el dictador Augusto Pinochet, de que no haya sido juzgado y de que haya todaví­a torturadores en la calle.

“Ya se sabe que Pinochet es un escombro polí­tico, un anciano que no significa nada, pero es un sí­mbolo y en tanto sí­mbolo habí­a que haberlo juzgado, eso es muy importante. Los sí­mbolos en un paí­s valen mucho”, sostuvo Guzmán.

Algunas de las opiniones que ha recabado para “Nostalgia de la luz” apuntan a que en el Chile de hoy sigue vivo el miedo en muy diversas formas, “al futuro, a perder el empleo, a la jubilación, a los inmigrantes, a la policí­a, a la delincuencia, al pasado, unos de otros”, algo que considera “una inercia de la dictadura”.

Reconoce que quiere conocer de cerca qué piensan, sueñan y sienten los jóvenes chilenos, pero también los más mayores que viven aislados de la sociedad.

“Están llenos de memoria pero nadie les considera. Hay mucha gente que vive en el exilio aun cuando vive en Chile, que viven en una realidad que no se corresponde con lo que a ellos les gustarí­a que fuese”, añade.

Guzmán es un convencido de la importancia que tiene el género documental en el cine de hoy, pero lamenta que los grandes empresarios de la distribución lo hayan dejado de lado.

“Es cierto que gracias a cuatro o cinco éxitos mundiales como Buena Vista, el fenómeno Michael Moore o “Ser y tener”, la pelí­cula francesa de Nicolas Philibert, alcanzaron una audiencia sólida (…) pero son (casos) aislados”, añade.

“Creo que el documental es un género mucho más frágil que la ficción (…) Muchas veces el portavoz de la idea central es una persona normal, no es un actor, sin el carisma ni la fuerza de un actor importante. Es un género que requiere un marco adecuado para disfrutarlo mejor”, concluye.(...)

Patricio Guzmán, una vez más, nos retrotrae a la historia chilena, nos recuerda que hay dolor sin curar. Familias sin las tumbas de sus seres queridos en donde podrían llevarles , por lo menos , una flor.

Ese Ashley

Hace unos días atrás ví por cuarta vez la pelicula ¨"Lo que el viento se llevó", ya sabemos de qué va y  todo lo demás. Todas las veces que la ví  jamás lo hice con buena intención, si es que existe una buena intención para ver una pelicula, yo la veia siempre como una obligación, una lata, larga y siutica. Tal vez me atraía la belleza de Scarlett o la personalidad bobina de Ashley, pero más allá de eso, no me dejaba nada que me hiciera sentir parte de la trama, no había en mi algo que me hiciera recordar alguna vida mía anterior, es decir no me sacaba nada de mi fueron interno.

 Algo que me llamó la atención esta vez, fué esa simpatía innata que sentí por Ashley y esa adversión por Rett Buttlers. Lei por ahi algo que me dió risa, según los estudiosos de Hollywood  hay dos tipos de mujeres, las que prefieren a Ashley Wilkies y las que adoran a  Rett Buttlers, craso error pero quiero sintetizar que hasta  este punto estas dos personalidades tan polarizadas, representan lo viejo y lo nuevo que ha surgido de esa clase social decadente que basó sus riquezas en la explotación más salvaje, la esclavitud.

 Leslie Howard actúa como Ashley, el eterno hombre ideal de Scarlett,que amó con locura y la llevó a hacer las cosas que hizo. Leslie, al principio rechazó el papel, él ya era un hombre de 49 años y no queria hacer el rol de un joven sureño con el pelo pintado y maquillado como "portero de un club gay de Londres", esas fueron sus palabras, Haward era un hombre inteligente y sensible, con gran fuerza de espiritu que no le rendía pleitesía a nadie  y solo aceptó el papel siempre y cuando él fuera el profesor de violin en la pelicula "Intermezzo" que actuó con la novel Ingrid Bergman. Leslie siempre se salía con la suya y accedió a  firmar el contrato para la MGM, Leslie fué el único de los actores que no asistió a las galas de la película.

Bueno, quiero advertir que no soy objetiva con Ashley me agrada su   personalidad , su presencia en el film para mí es  fuerte y arrebatadora, sin embargo él  representa el símbolo de la vieja clase terrateniente y esclavista del Sur, el noble caballero, educado y buen jugador de pocker, inteligente que no quería la guerra porque sabia que ella destruiría  toda su vida tanto es así que cuando regresa de ella, cede a las mujeres de su vida Melanie y Scarlett que la gobiernen por él. Ashley ya no existe, no tiene razón para ello, el mundo de los negocios  y el feroz  capitalismo industrial le es totalmente desconocido, la mentira le era totalmente ajena, viviendo entre algodones, inconciente de lo que significaba la esclavitud, ni siquiera la consideró como algo malo, el representa esa "bondad" que vivió su gloria y majestad gracias la sangre y piel de seres humanos, sin saber que existian como tal. De esta misma gente nace lo nuevo Rett Buttlers el insoportable, sin escrúpulos, expulsado de su familia, gente aristócrata de Charleston, hizo negocios con la guerra por puro placer, atrevido y muy parecido a Scarlett porque ambos nacen  de lo viejo, la base del Nuevo Mundo, manteniendo  la idea absurda y base de esta existencia, de creer ser gente superior, sólo lo viejo se muere pero nacen sus retoños que se le superan.
 No está de más decir que en el libro,cosa que en la pelicula se ignora, Ashley forma parte del KKK pero tanto Scarlett como  Rett abominan sus actividades. Otra diferencia más entre el viejo poder y el nuevo.....me entendeis? Pero no por ello son mejores, es mas son abominables, egoistas y crueles, llegando a lo todo con tal de tener dinero..la nueva era esta alli !!
Ahora les confieso que me metí tanto en la pelicula que salió mi alma de déspota y negrera y entendí a Scarlett cuando le dio una cachetada a la Prissi..la sirvienta negra que tenia, que era un "caso" .

viernes, 19 de agosto de 2011

Raul Ruiz se ha ido y el mundo queda mas solo.

Ha muerto en Paris el cineasta chileno/frances, Raul Ruiz  poeta del cine, nacido en Puerto Montt en 1941, un hombre de mi generacion, un chileno como yo, que nos hace pensar que el cine es mucho mas que una pelicula, la cultura humanista de Ruiz es enorme,el es  un verdadero representante de nuestro tiempo y de nuestra epoca.Sera enterrado en Chile como es su voluntad.

Su filme “Misterios de Lisboa” le valió la Concha de plata al Mejor Director en la edición de 2010 del Festival de Cine de San Sebastián y ese mismo año el premio Louis Delluc, que se entrega en Francia, a la mejor película francesa del año.

“Se trataba de uno de los mejores espíritus de nuestro tiempo, con una cultura y una inteligencia sin igual. Fue un gran cineasta, que trató una temática muy variada y concebía su proyecto cinematográfico como un arte, más allá del éxito comercial”,segun Francois Margolin ,su  productor

miércoles, 3 de agosto de 2011

El cine político


Se han hecho miles de películas con la política como base a lo largo de la historia del cine, incluso, de política ficción, pero sin apartarse del marco político y con su tendencia y mensaje claros. Las ha habido y hay dentro de todos los géneros: dramático, futurista, entretención, documental, western, incluso, comedia. Y con mensajes de todo tipo, fascistas, democráticos, anarquistas, liberales, racistas, etc... La mayoría, son testimonio de la degradación, que los grupos de poder perpetran en las sociedades, por sus intereses económicos; para su enriquecimiento y poder ilimitados. Por lo tanto, todo país tiene su cine político, porque todo país tiene su historia. Una historia común en lo que respecta a los movimientos de los pueblos por la defensa de sus derechos de libertad, justicia y bienestar. Por la lucha contra la explotación de minorías que hasta hoy manejan las sociedades en las que mayoritariamente predomina la miseria y la marginación.

He visto mucho cine político y algunas muy buenas, españolas, norteamericanas, francesas, inglesas, argentinas, chilenas, peruanas, etc... De las que menciono, las recomiendo todas..


Costa Gavras: 
Missing (1982) : Desaparecido en la dictadura de Pinochet.
La Confesión (1970): Purgas políticas de dirigentes comunistas obligadas por el estalinismo.
D.W. Griffith : El nacimiento de una nación (1915) : una historia exaltando la supremacía de la raza blanca y las acciones del KuKluxKlan. Desde el punto de vista técnico, dice Wikipedia, que reúne y sistematiza todos los recursos narrativos que había ido desarrollando el cine hasta ese momento Lo hace de una forma en que queda establecido un modelo de cine que se perpetuaría hasta la actualidad.

Patricio Guzmán:
La Batalla de Chile (1973-1979): Insurrección de la burguesía y el golpe de estado en Chile.
Bernardo Bertolucci:

Novecento (1976): Muestra la explotación campesina, el movimiento comunista proletario y el nacimiento del fascismo apoyado y creado por los grandes capitales.

Roberto Rossellini

Roma ciudad abierta (1945): La película se sitúa en Roma, en los últimos años de la ocupación nazi del año 1944. Está inspirada en la historia verídica del sacerdote Luigi Morosini, torturado y asesinado por los nazis por ayudar a la resistencia.

Sergei Eisenstein

El acorazado Potemkin (1925): basada en hechos reales en 1905, la sublevación de la tripulación del acorazado que es obligada a comer carne con larvas de moscas. Exalta la actitud del hombre oprimido decidido a romper las cadenas. Considerada una obra maestra del cine.

Luis Puenzo
La historia oficial (1985): Deja de manifiesto las atrocidades de la dictadura argentina en el tema de la represión, la muerte, la tortura y el robo de niños, entre otras atrocidades.

Juan Antonio Bardem

Siete días de enero 1979: Basada en la Matanza de Atocha del 24 de enero de 1977, durante la transición española.

Oliver Stone

JFK (1991) se examinan los eventos que llevaron al asesinato del presidente John F. Kennedy y el subsecuente encubrimiento, a través de los ojos del ex-fiscal de distrito de Nueva de Orleans Jim Garrison.
Ari Folman
Vals con Bashir (2008): Una película de animación que narra una historia basada en la masacre de Sabra y Chatila.

jueves, 21 de julio de 2011

El cine negro americano



El cine, como toda expresión cultural, se desarrolla de acuerdo a la historia de las sociedades, a la época en que se vive; y el cine negro americano tuvo la suya, también. No creo que se vuelvan a ver películas, temas y personajes como los expuestas en el celuloide entre los años 40 y 50, y no sólo por el avances técnico y los cambios en la moda, sino porque una realidad diferente hace mentalidades, visiones y prácticas diferentes. La criminalidad misma se lleva de diferente manera; el crimen organizado, la delincuencia y la miseria tienen otros matices, por lo tanto, otra expresión. No voy a entrar, en todo caso, en una comparación de las películas “policiales” de entonces y las de ahora. No pueden compararse.
Sólo pretendo una restrospectiva, una contemplación desde nuestras butacas hacia la memoria de geniales personajes, actores, directores y libretos.


martes, 12 de julio de 2011

El Angel Azul (1930)

Adaptación cinematográfica de la novela "Profesor Unrath" de Heinrich Mann. Narra la tragedia de un severo profesor que una noche va a "El Ángel Azul", un cabaret de mala fama, para llevarse de allí a sus alumnos, que acuden al local seducidos por los encantos de la cantante Lola-Lola (Dietrich). Sin embargo, el profesor Rath, un solterón de 50 años, acaba cayendo en las redes de la cabaretera. A partir de entonces, su vida será un descenso a los infiernos de la humillación y de la degradación moral. (FILMAFFINITY)

En la película al profesor no lo vemos como el ¨mierda ¨ que es, es más lo ponen como un ser respetable y serio, cosa que en el libro no..Unrath , como le decían sus alumnos  que significa basura en alemán  y él si lo era..cosa que en la pelicula  vemos cómo un hombre intelectual no sabe manejar sus sentimientos y lo desbordan.
Cuando empieza la pelicula, uno cree que es una más de esas que aún no han pasado del todo la transicion de mudo a sonoro, pero nos deja ensimismados, va en crecendo..de tal manera que después no puedes apartar ojo de le pelicula.
Expresionismo alemán puro  que retrata las polaridades entre el intelecto, la razón, la prudencia, la hipocresía frentea  la crueldad, la honestidad del sinverguenza, la vulgaridad, las emociones crudas y la necesidad de hacer de todo para comer.
La epoca histórica es entre 1930 a 32, sabemos la lucha interna del pueblo alemán con sus contradicciones, la vulgaridad del lumpen herido por el pasado acartonado de los militares, los ricos y nobles.La disciplina y el orden arrasan el espiritu del hombre llevándose en el camino toda la inteligencia y creatividad alemana..El nazismo, el lumpen al poder..
No dejen de ver esta pelicula porque es desgarradora, como la vieja alemania agoniza agarrandose tristemente a un pupitre escolar.

Solo tengo que agregar el papel excelente de Marlene Dietrich , algunos la culpan del destino del profesor, como la puta casquivana que jugó con el corazón ¨puro¨ del profesor...Nada..él lo da todo y la sigue donde sea, hace lo que sea, pierde todo por ella..y al final ella..se va con otro. Se lo estaba buscando... En fin esto es lo de menos, no podemos culpar a nadie de nuestro camino que elegimos..somos los únicos responsables de nuestra vida, y si elegimos caminos dificiles, contradictorios, donde nos arrastramos a la indignidad por una migaja de amor. Doloroso verlo doloroso sufrirlo.

domingo, 10 de julio de 2011

Todos los hombres del presidente

“La más devastadora historia detectivesca de este siglo”, pone el afiche de propaganda de esta película de Alan J. Pakula, muy bien interpretada por Dustin Hofman y Robert Redford, que encarnan a los dos periodistas que descubrieron e investigaron una conspiración que terminó con la renuncia de Richard Nixon en agosto de 1974 y la caída de varios de los hombres de su equipo. O sea, algo más que una historia de detectives.
La he vuelto a ver hoy, después de varios años, y me doy cuenta de que este tipo de films, que son verdaderos documentos histórico/políticos de un país -los guionistas fueron los verdaderos reporteros protagonistas de la investigación: Carl Bernstein y Bob Woodward- hay que verlos con los ojos bien abiertos porque no sólo te señalan lo que está pasando en cuestiones puntuales, sino, cómo funciona, en general, la maquinaria que está permanentemente montándose para el control total desde las cúpulas gubernamentales y administrativas del país. Me di cuenta de que en esta película, lo menos importante es lo de Water Gate, o sea, el espionaje hecho al Partido Demócrata cara a las elecciones presidenciales de las que Nixon salió reelegido. Lo que Bernstein y Woodward destaparon, no fue sólo el “trabajito” de poner a cinco hombres a espiar al comité de elecciones demócrata y el asalto al Hotel Water Gate donde estaba el comité, que fue suficiente para que Nixon renunciara; sino todo un aparato de intervención y control en la que todas las instituciones: Presidencia, Departamento de Justicia, FBI, Contraloría, CIA, etc, estaban involucradas en una operación de mucho antes y lógicamente, hasta ahora. Water Gate fue una caída fea, pero de ninguna manera fue el final de este tipo de manejos y Nixon quedó como el malo integral de la historia, pero el aparataje de control sólo cambió de operadores.
Es clave, por lo tanto, la escena, casi al final, de los reporteros con el director del Washington Post (buena interpretación del excelente actor Jason Robard) en la puerta de su casa. 
La película está muy bien hecha, y a pesar de que hay una buena cantidad de nombres y personas involucradas y de la urgencia y rapidez conque se maneja la situación, esto no impide que te hagas cargo de lo que está pasando. Al final, te absorbe y magnetiza hasta el final.
Vale la pena volver a verla en estos días.

jueves, 7 de julio de 2011

Zorba El Griego: Alexis Zorba

video


"Zorba el griego" es una película de 1964, escrita, producida, dirigida y montada por Michael Cacoyannis. Protagonizada por Anthony Quinn, Alan Bates, Irene Papas y Lila Kedrova en los papeles principales. Basada en la novela Alexis Zorba de Nikos Kazantzakis.
Galardonada con tres Premios Óscar en 1965, en las categorías de: mejor actriz secundaria (Lila Kedrova), mejor fotografía (Walter Lassally), y mejor dirección artística (Vassilis Photopoulos)- Wikipedia-.
Creo que fui de las últimas del planeta en ver a Alexis Zorba interpretado genialmente por Anthony Quinn, la vi por ahí por el 67, en el Rialto, y creo que fue la única vez que fui a ese cine de Viña del Mar. En fin. Zorba me impresionó, todo me impresionó, la historia, las actuaciones, la dirección, la música, el baile, el pueblo y su mentalidad. La viuda, la Bubulina, prostitua vieja ya del pueblo que se sostenía con sus recuerdos y ensoñaciones del pasado, viviendo medianamente bien en ese pueblito perdido no sólo del glamour y sofisticación que a ella fascinaba, sino de la cultura y cualquier modernidad. El pueblo era un sólo personaje, egoista, básico y con unas costumbres arcaicas con las que se agarraban a un existencia chata, especialmente las mujeres.
Zorba, llega de casualidad a ese pueblo, siguiendo a Basil, el inglés culto y moldeado en un sinfín de normas y convencionalismos éticos que lo hacía un dechado de aburrimiento y pusilanimidad. Como Alexis Zorba era un ser libre hasta la irresponsabilidad, sin compromisos, con un saber de la vida más sensorial que intelectual, buscó a Basil como patrón para tener sustento mientras durara. Porque a Zorba no lo ataba nadie ni nada. Vivía la vida al minuto y la enfrentaba en plan más animado que pensante y todo, a concho. Basil, su boss, era lo opuesto. Un hombre culto, honesto y de principios humanos más “amordazados”, pero que lo hacían una buena persona, solamente cobarde ante la vida y sobre todo: fome. Gracias a Zorba la empieza a ver y a vivir de manera menos insulsa.
Me pareció ver en los personajes esa dualidad que somos todos los que hemos pasado por la formación de la sociedad. Con un Zorba y un Basil dentro, pero donde el Basil sofoca al Zorba que le encantaría salir y que muy rara vez le permitimos una escapada al aire.
Muy buen trabajo del director Cacoyannis, y excepcioonal la actuación de todos los personajes. El Oscar secundario a Lila Kedrova fue muy merecido. La mujer bordó su papel de Madame Hortense.
El video de la escena final de la película, imperdible.


sábado, 2 de julio de 2011

Mujercitas y sus tres versiones.

sRelato autobiográfico de Louisa May Alcott de su vida con sus tres hermanas en Concord Mass en la década de 1860. Con su padre luchando en la guerra civil, las hermanas: Jo, Meg, Amy y Beth están en casa con su madre - una mujer muy abierta para su  tiempo. La historia trata cómo las hermanas crecen, encuentran el amor y un   lugar en el mundo durante la cruel Guerra de Secesión

 Sólo en el mundo cibernético podemos realizar acciones que nos permitan vivir tres veces un mismo tema ,  revivirlos, dividirlos, apreciarlos y combinarlos en un mismo día. Me refiero a la  película “Mujercitas” escrita  por Louise May Alcott que ha sido llevada a la pantalla hasta ahora tres veces 1933 ,1949 y 1996, cada película  traduce la mente de la  época  en que fue hecha , cada una marcada por las  influencias y características ambientales definidas y minimizadas en el mobiliario, la ropa , la moda, los modales  y la expresión de sentimientos, que aparte del diálogo, son un juego para la imaginación.

Las cuatro hermanitas  1933 
Dirección : George Cukor
 Katharine Hepburn    ...         Jo
Joan Bennett               Amy
Paul Lukas                  Prof. Bhaer
Edna May Oliver        ...Aunt March
Jean Parker                  ...Beth
Frances Dee                Meg
 Douglass Montgomery            Laurie

La primera y tal vez la mejor de todas, por su ambiente, menos retocado  pero no menos bello, podría no ser apreciada en su justo valor, pero precisamente  es mas verídica, sabemos que las  Marsh están pasando por una época de pobreza e incertidumbre, las chicas han vivido épocas mejores y ahora están allegadas en un pequeña casa de la tía March.
  

Mujercitas 1949
Director : Mervyn Leroy
Reparto
June Allyson   ...         Jo
Peter Lawford                         Laurie
Margaret O'Brien      Beth
Elizabeth Taylor      Amy
Janet Leigh              Meg
Rossano Brazzi   Profesor Bahuer

La impulsividad de Jo, el dolor de Beth , el egoísmo de Amy y la
afectación de Meg están aquí muy bien expresados









 Mujercitas 1994

Director :  Gillian Armstrong
Reparto
Winona Ryder      Jo March
Gabriel Byrne      Friedrich Bhaer
Trini Alvarado       Meg March
Samantha Mathis    Older Amy March
Kirsten Dunst        Younger Amy March
Claire Danes      Beth March           
Christian Bale     Laurie
Eric Stoltz             John Brooke
John Neville       Mr. Laurence

 El profesor Bhaer y la madre están muy bien..superan a los demás profesores y madres.

Para mi la mejor Jo es Katherine Hepburn, la mejor mamá Susan Sarandon, la mejor tia March Edna May Oliver, la mejor Meg Janet Leigh, la mejor Amy Elizabeth Taylor, la mejor Beth Jean Parker , el mejor Lauri Peter Lawford y el mejor Profesor Bhaer Gabriel Byrne . El mejor ambiente 1933

viernes, 1 de julio de 2011

Lo que el viento se llevó

Hoy vi en la CNN que el 30 de junio de 1936, se publicó la novela  de Margaret Mitchell "Gone with the wind" (Lo que el viento se llevó). Según leí por ahí, la empezó a escribir estando en cama por un tobillo roto, usando todos los libros de historia que le compraba el marido. Su gran conocimiento sobre la guerra de secesión y retazos de sus propia vida la llevaron a escribir esta interesante y muy entretenida novela que fue todo un éxito, tanto es así que en el 37 le conceden el premio Pulitzer, encantó a los norteamericanos, e incluso, antes de su publicación, ya David O. Selznick   a través de su editora, había comprado los derechos a M. Mitchell para la gran película que pasó a ser un clásico de los grandes del cine, encabezando el elenco Vivien Leight y Clark Gable.
Ya está terminando el día 30, pero aquí va mi saludo a la Sra. Mitchell.
            

jueves, 30 de junio de 2011

el cine español






El cine español está bastante vilipendiado en España, la mayoría de la gente no lo aprecia. Hasta muchos lo desprecian. No lo ven por sistema. Una pena porque es un buen cine, hay de todo, pero destacan sus buenas peliculas, buenos actores, buenos guionistas y buenas puestas en escena. Hay para todos los gustos en todos los géneros.
Creo que hay que destacar que el desprecio por el cine español viene de la época franquista, de esas producciones que se hacían como churros, miles de peliculas basura especialmente comedias malas, de monjas, turistas, ligones o don juanes, chicas bobas, chicos bobos, mujeres chillonas, hombre gritones, siempre riñendo, peleando o discutiendo por tonterias. Era un griterío inaguantable. Y tambien había musicales que casi siempre eran dramones: La violetera, El relicario, El último cuplé para darle trabajo a Sarita o a la cantante de turno, ahi se lucieron los españoles haciendo peliculas con los artistas de moda desde Luis Mariano a Raphael o Julio Iglesias, Pepa Flores o entonces Marisol. No se trataba de saber actuar ni de disfrutar de un guión, la cosa era promocionar al cantante que le venia muy bien , por cierto. No se permitían más cosas, el regimen no lo consentía.

Pero se hicieron buenos dramas, buenas películas de crimen o suspense. La influencia del neorralismo tambien llega al cine español destacando La muerte de un ciclista y Calle Mayor dirigidas por Antonio Bardem. Destaca tambien García Berlanga con El verdugo, Bienvenido, Mister Marshall, etc.

Incluso algunas películas que provocaron cierto escándalo en el contexto represivo de la dictadura franquista, como Viridiana o Tristana dirigidas por Buñuel.

Evidentemente no todo eran comedias o historias de niños prodigio, como Joselito, Marisol, etc.
Durante la dictadura franquista se impulsan las ayudas estatales y se potencia la escuela Oficial de cine de donde saldrían directores opuestos al franquismo como Miguel Picazo, Manuel Summers, entre otros y obviamente Carlos Saura. Vicente Aranda, Jaime Camino y Gonzalo Suarez saldrían de la escuela de Barcelona.

Con el paso a la democracia se suprime la censura pudiendo desarrollarse el cine en otras lenguas españolas, como el catalán o el gallego, y comienza el destape y el "landismo" pasado este periodo inicial se revisan la historia nacional reciente como con Canciones para después de una guerra (Basilio Martín Patino, 1976) o El espíritu de la colmena (Víctor Erice, 1973), otras son dignas recreaciones de los años más grises de la dictadura como ocurre con Pim, pam, pum, fuego (Pedro Olea, 1975), donde se describen las dificultades de supervivencia de los perdedores en la España más puramente franquista; o particulares visiones esperpénticas del franquismo, como sucede en La escopeta nacional (Berlanga, 1978).













PRIMERA PARTE

martes, 28 de junio de 2011

Las Horas (Michael Cunningham)

 



Las Horas (2002): Me gustó esta película del director Stephen Daldry, basada, en realidad, en dos novelas ya que , la obra “Las Horas” de Michael Cunningham, a su vez, está ligada a Virginia Wolf y su libro "La Señora Dalloway". Está estupendamente bien presentada, actuada y dirigida.
La vida de las tres mujeres principales: Clarissa Vaughan (Meryl Streep), Laura Brown (Julianne Moore) y la escritora Virginia Wolf (Nicole Kidman), están entrelazadas a través de la novela que escribe Virginia en 1923, lee Laura en 1949 y que representa, en ciertas formas, a Clarissa en el presente. Todo la obra “corre” impecablemente por las tres mujeres con una misma búsqueda en las tres épocas.
Virginia, atrapada en lo que se deja entrever, aunque sin grandes datos, un trastorno psicológico severo; una depresión endógena, seguramente con anorexia incluida,  y la visión de un mundo atemorizante (incluso a su servidumbre le teme) que la angustia hasta el desquiciamiento. Sus expresiones sobre el tema, Nicole Kidman las trabaja magistralmente; la escena en la estación de trenes, por ejemplo, de Virginia y su marido Leonard (Stephen Dillane, que actúa genial) es desgarradora cuando le manifiesta su sentir en ese minuto en ese mundo en que vive. En casi todas las escenas de Virginia, se deja entrever su ansiedad, su sufrimiento y su impotencia para enfrentar su vida. “No se puede tener paz evitando la vida”, es una de las frases que me pusieron la piel de gallina.
Laura Brown en 1949, está leyendo la novela de Virginia, ella es una madre, esposa y dueña de casa de clase acomodada. No es feliz como tal. Débil y un poco inestable, tiene un gran mundo interior y su gran apoyo ante la frustración, es la lectura. “La Sra. Dalloway”. Como dice por ahí, Cunningham, el libro, pasa a ser como su amante, el que lleva a un hotel y lee antes de intentar suicidarse. Julianne Moore lo enriquece con una gran actuación, quizás la mejor, que hace tan importante su personaje.
Clarissa, de las tres, es la de más opciones, aunque no por eso, más segura o con más sentido en su vida. Igual que las otras dos mujeres, su vida es la búsqueda de ese sentido y su lucha, claro. Ha tenido más éxito, tiene muchas amistades y se ve con más seguridad. Es lesbiana y vive una buena relación abiertamente. Ha tenido un pasado hippie, que idealiza, en que estuvo enamorada de Richard (Ed Harris), el personaje que une a las tres mujeres: es el hijo de Laura y el amigo de Clarissa y aunque directamente no está relacionado con Virginia, es el poeta que ella nombra, el visionario y, que en algún momento dice que tiene que morir (Septimus Warren Smith de La Señora Dalloway).
Hay más, mucho más que decir y más personajes y todos, especialmente las mujeres son excepcionales, como Toni Colette en el papel de Kitty, en que en unos pocos minutos de actuación deja toda su carga, su nerviosismo que apenas sostiene su compostura “comme il faut” ante su situación y la insegura reacción de Laura al besarla en los labios. Algo que Cunningham repite con Virginia al despedirse de su hermana Vanessa, magistralmente representada por Miranda Richardson, una actitud que, para mi, no trasciende ningún tipo de anormalidad conductual, sino fuerza y agarre humanos. Lindo.
Para algunos es una ñoñada, hasta lei en internet un tipo que dijo que le hace el quite a las mujeres que les gustó mucho Las Horas... A mi no me gustó, me fascinó.

La Guerra de Secesión como marco histórico en el cine

La guerra de secesión, ocurrida entre 1861 a 1865  cuyos pasajes han sido llevados a la pantalla como "La Cabaña del tío Tom" , "Lo que el viento se llevo", "Mujercitas" , "La conquista del Oeste" "El malo, el feo y el bueno" entre miles, se ha tratado  siempre desde un punto de vista personal y jamás colectivo. El  Western,  por ejemplo,   basa  toda su épica  tratando de simplificar  las diferencias que existían entre el Norte y el Sur. Sabemos que las causas de la guerra no fueron precisamente  la abolición de la esclavitud, no fué la lucha por el alma norteamericana  como insisten algunos, Abraham Lincoln tampoco fué precisamente el gran luchador porque jamás considero a los negros como iguales.
La raiz de la guerra fué  la lucha del capital, del poder y los beneficios. Fué la lucha entre dos partidos únicos, pero ambos representantes de la riqueza y la expansión territorial. La historia norteamericana  ha sido adaptada al cine de la misma manera que ha sido estudiada en general, sin tomar  en cuenta la lucha de clases;  siempre el objeto de la luchas son odios a etnias diferentes: los indios o los negros.El pueblo  desposeído no forma parte de la historia de los Estados Unidos. En un sistema económico que no está planificado de forma sistemática según las necesidades humanas, sino que crece de forma caótica y obsesionada por los beneficios, la acción del pueblo no cuenta.

El Nacimiento de una Nación 



Uno de los clásicos del cine mudo, dirigida por D.W. Griffith (1915)    basada en una historia de medio pelo sobre los valores esenciales del   KKK. La película técnicamente puede ser genial, intelectualmente es tan pobre que es preocupante. Griffith puede ser un  genio del cine pero su infantilismos es inquietante y su intelecto llega a puntos  peligrosos de imbecilidad. La pelicula produjo una gran cantidad de asesinatos y palizas a los negros en diferentes partes del pais.



El Western como resultado de la Guerra de Secesión

 Estados Unidos ha escrito siempre su historia  negando la  lucha de clases, colocando a los  grupos étnicos como los indios y los negros  ajenos a la vida social, jamás se ha tomado en cuenta el descontento popular de las fábricas y en el campo, de  los sin techo y/o los sin trabajo, desvalorizando  a la  mujer. Estas grandes conglomeraciones humanas  no cuentan como activos en la Historia, a no ser que sean los malos de la película, los rebeldes del oeste, la puta corista. Para los guionistas aquellos que se rebelaban  eran los que habían perdido la guerra, porque tal vez lo considerarían más cómodo y más patriótico. En las películas llamadas de “cowboys” siempre los buscadores de oro y los bandidos son aquellos que huyen del Sur devastado, los inmigrantes venidos de todo el mundo, huyendo del hambre y la miseria: los irlandeses, los chinos, los japoneses, los italianos, los sudamericanos a todos ellos la sed del oro los transforma en asesinos y maleantes, asaltantes de diligencias y/o asesinos a sueldo, la verdadera historia de los " bandidos" aún no se ha contado en toda su magnitud. En cuanto a   las mujeres que llegaban a esos lugares eran siempre putas y/o señoras sureñas que trataban de enmendar al joven para empezar una nueva vida. Sabemos que Jasse James era masón y que robaba bancos porque pertenecía a un grupo de terratenientes del Sur que querían recuperar sus poderes, era  tambien un excelente padre de familia.


Una creación no sería completa si no corresponde su fondo a su contenido. Podemos ver la película de Griffith por ejemplo y considerarla técnicamente genial pero intelectualmente a la altura del unto, tanto es así que llega a límites de imbecilidad. ¿Sería éste una excepción?