Clasicocine: Rebelde sin causa (1955) HDtv

Clasicocine: Rebelde sin causa (1955) HDtv: Título original Rebel Without a Cause Año 1955 Duración 111 min. País  Estados Unidos Dirección Nicholas Ray ...

Ray Milland un tremendo actor.

No voy a entrar  a contar su biografia  pues se puede encontrar con detalles en Google, Ray,como una estrella en el firmamento no necesita que se hable de él para que brille, el ya es  de todos, No niego que a veces resulta interesante saber algo del actor como persona, pero a mi no me parece tan importante,ya  están sus películas maravillosas, donde vemos la estela de su trayectoria en un camino por el cual lo llevaron los productores que siempre han pensado más por el dólar que por el arte pero que sin embargo nosotros nos paseamos y nos cautivamos.

Por supuesto que tampoco he visto todas sus películas, cosa que sí me gustaría, pero para que me cautivara  no necesité ver muchas y para reconocer que fué un actor magnifico, tanto para la comedia como para el drama, Ray Milland está genial.
Me cautivó con "Beau Geste "(1939) donde actuó al lado de Gary Cooper, que para mi  es el galán que me espera en el cielo, quiero que sepan que incluso a su lado la estrella de Ray Milland brilla con luz propia.

Luego mi memoria lo captó con cuerpo y alma en la pelicula que en inglés se llamó  "Ärise my love" (1940) una comedia bélica con tintes intervencionistas, cuando  aún USA no  entraba a combatir en la 2GM, La picardía de Ray en la pantalla, no creo que sea igualada por ningún otro actor y al lado de una estupenda Claudette Colbert, hacen una pareja de enamorados de esa época, donde la gente no pensaba en el futuro  vivíendo lo que el tiempo y la vida les daba.

Despues lo ví en "Dias sin huella" (1945). Billy Wilder lo elige para el papel del alcohólico, que lo hace tan miserablemente bien que hasta huele a alcohol, Alli se consagra y le dan un Oscar por su labor,
Vi una pelicula que junta a todos los matices de Millanescos  en Crimen Perfecto, donde vuelve a ser el gentelman inglés maduro, cinico y maligno, con esa simpatía caracteristica que lo hace un perfecto canalla.

Ya más maduro hace peliculas muy buenas, Como "Catalepsia"  y otra muy buena " El hombre de los ojos de RayosX"que no las he conseguido aún para volver a verlas..pero en su momento que las vi me impresiono él ya bastante mayor.
Por ser una estrella lejana en el firmamento que ni siquiera Gary Cooper lo apaga,

Porque tal vez lo hayan  infravalorado por la publicidad y los canones de la moda y las leyes de los productores.Cabe decir que son muchos sus fans , en Argentina fue homenajeado  por célebres músicos del rock  que formaron "La Ray Milland Band" entre ellos estan Charli Garcia, Pedro Aznar, Andrés Calamaro  los que le rindieron un homenaje a este gran actor, director y escritor..un tabajador incansable que amó siempre lo que hizo y al que hoy le rindo un homenaje-

Vi hace poco esta película del año 1959 que no había visto. Siendo fanática de Marlon Brando y también de Tennessee Williams, su autor, no sé cómo se me pasó: “Piel de serpiente”,que el dramaturgo escribió como “La caída de Orfeo”, y que aunque la historia poco recuerda al mito, en la búsqueda interior de su personaje – un músico que viaja con su guitarra- el autor lo une. Pocos han reflejado tan bien, como T. Williams, el vacío existencial, la miseria humana y las bajas intenciones de las que es capaz el hombre. El odio, el egoísmo más intenso, el desprecio. Todo llevado por el miedo. Ese miedo que siempre está provocando todas estas expresiones.

Es una buena película muy bien interpretada, cada personaje muy bien perfilado, con su gran peso a cuestas, el de sus traumas, de sus existencias siempre entrampadas, aprisionadas en un marco social individualista, racista y de un puritanismo castrador tremendamente hipócrita que es capaz de eliminar al otro por sobrevivir no se sabe para qué. 

Es lo que te dejan pensando pelis como estas...

Está dirigida por Sidney Lumet y actúan grandes actores como Marlon Brando, que está perfecto como siempre, Anna Magnani, excelente y más guapa de lo que la recordaba, Anne Woodward, buenísima actriz también. Todos ganadores de Oscars. El de Anna Magnani fue entregado por su interpretación en otra película de T. Williams, La rosa tatuada.

La recomiendo. Es bueno hacer un recorrido al pasado en el cine, ya que últimamente, no anda muy bien por el rubro, la imaginación y la creatividad... Todo lo llevan por los grandes efectos técnicos. 

Esta escena de Casablanca no puede faltar en ninguna página de cine: 

Joan Fontaine

Se ha ido una estrella maravillosa, Joan Fontaine, actriz de figura muy pequeñita, ni curviliena, ni nada, mas bien carita de monito, como le decia Cary Grant en la pelicula de Hitchcock, Sospecha,
Siempre la encajaron en papeles de niñita fea pero estaba lejos de serlo, con una voz infantilona, de rasgos suaves y pícaros, cercana a la malignidad infantil Joan cubría la pantalla con su elegancia y cinismo.
Me encanta ella, porque no ha muerto sigue alli esperándonos en Rebbeca o en Jane Eyre, dulce, suave, y en  su mirada toda la burla y malicia del mundo.

Nunca en Domingo

Nunca en domingo (1960). Director Jules Dassin, nacido en USA, de origen judío/ruso y que en los años 50 debe salir de USA a raíz de las acusaciones de comunista del Comité de Actividades Antinorteamericana, durante la brutal persecusión macarthiana. Su película Nunca en domingo rompe con su línea más bien sórdida y sombría de películas que lo hicieron famoso tanto en USA como en Europa, tales como Ciudad Desnuda, Mercado de ladrones, Siniestra obsesión, Rififí entre los hombres...

Nunca en domingo es como un cuento de hadas, pero cambiando lo de hadas por lo de prostis. Un juego a ser feliz por encima de la sordidez que, en realidad, es el mundo de una prostituta en un barrio del puerto de cualquier país, sólo que en la película es el precioso Pireo, por el que tuve la suerte de pasear durante algunas horas hace ya un tiempo. Fantástico, inspirador de cualquier cuento, de cualquier fantasía...

Ilia (Melina Mercouri) era la única prostituta independiente del puerto, así era de libre y silvestre. Sin Rostro, el mafioso de turno las controlaba a todas, menos a Ilia, que no ponía el precio sino que hacía que lo pusiera el cliente y sólo se acostaba con él si a ella le gustaba, si no, no lo hacía, le ofreciera lo que le ofreciera.

Ilia era feliz en su libertad y alegría de vivir, disfrutando sin vergüenza su amor a la vida y a los hombres con su belleza, voluptuosidad y joie de vivre, además de la fantasía con la que pintaba la vida, incluso las tragedias griegas, de las cuales era fanática, las veía a su manera, cambiaba sentimientos y acciones de los personajes. Medea era una dulce y resignada mujer, no la asesina de sus hijos. Todas las tragedias terminaban felices con todos yéndose a pasear a la playa. En fin, que para Ilia, no hay ni en la vida real ni en la ficticia lugar para lo feo y sucio.

Y llega un día, un desubicado norteamericano, filósofo amateur (Jules Dassin) amante de la cultura griega y ve a Ilia como un símbolo de la esencia griega. Como no ve bien que sea prostitua, intenta educarla, cual absurdo pigmalión y la rodea durante un par de semanas de libros y material en general para “educarla”.

No es una gran película, vista a 53 años de su estreno, en medio de la crisis sociocultural y económica que vivimos, es casi un chiste, una comedia ligera de corte romántico, pero que Dassin debe haber disfrutado mucho haciéndola porque, a pesar de lo negro, tanto de su cine anterior, como de su experiencia vivida tras el desencanto del hombre durante la Caza de Brujas de USA; el mensaje de la película que protagonizaron él y su mujer, es de amor y unidad. Algo que siempre debe estar presente en los seres humanos.

No tengo palabras para definir la actuación y todo lo que desprende Melina... sólo puedo decir que era como la vida de Ilia: fantástica. Su actuación gano premio en Cannes y la canción de la película: Los chicos del Pireo ganó Oscar.

Evidentemente que la recomiendo.

Portero de Noche

No importa si la viste en 1974, cuando se exhibió por primera vez, o ahora en el 2013; hoy se siente tan impactante como lo fue hace cerca de 30 años. Y es que no es una película para atraer público a través de la exaltación de la violencia catastrófica y sanguinolienta sino, que impacta porque te mete en una suerte de alteración de los sentidos y la psiquis humanas debido a terribles traumas que llevan a la degradación y la autodestrucción.

Liliana Cavani, la directora de Portero de Noche, es conocida en sus películas por esa capacidad de mostrar sin tapujos -el argumento de la película fue todo un escándalo en su momento- lo que el ser humano puede llegar en sus obsesiones y traumas. “Más allá del bien y el mal”, sobre la vida de Nietzsche, nos lo confirma también y de paso igualmente la recomiendo. Lo mismo que El juego de Ripley, con John Malkovic.

Protagonizada por Dirk Bogarde y Charlotte Rampling, la trama del film gira en torno al encuentro de un ex oficial nazi y una mujer judía que había sido su víctima en la guerra. Están ahora en 1957, varios años después de la guerra y ella se alberga con su esposo, director de orquesta, en el hotel donde el ex oficial trabaja de portero de noche. Y lejos de sentimientos de rencor y venganza, en ellos se reinstala, más allá de una atracción, el sometimiento autodestructivo nacido en las torturas infligidas a la mujer por su torturador nazi. La atmósfera creada por la extraña atracción de la pareja (por decirlo suave) deja en segundo plano las movidas de los grupos políticos proteccionistas de nazis que rodean al portero. Absorbe la relación entre el nazi, ahora portero de hotel y la víctima judía, ahora flamante esposa de un director de orquesta. Una buena película en todo aspecto. Genial, Liliana Cavani. Dirk Bogarde, el actor protagonista, como fue siempre, perfecto. Charlotte Rampling, todo un acierto de la directora, parece pintada para el papel.

La película bajonea un poco, porque no nos gusta lo que muestra, y es que no nos gusta la lógica del mal. Pero pienso que son películas que hay que ver, sobre todo si están tan bien hechas.

Hiroshima Mon Amour

Hiroshima Mon Amour es una película franco-japonesa de 1959, dirigida por Alain Resnais y que tiene como actores principales a Emmanuelle Riva y Eiji Okada. El guión es de Marguerite Duras, la famosa escritora y guionista francesa.

Para muchos puede resultar un tostón, ya que cumple, de acuerdo a su época, con ese estilo francés muy intelectual y algo lento -aunque las vi peores- que no a todo el mundo gustó, aunque no se podía negar la alta calidad del cine francés por esos años, 50-60 y que todo el mundo corría a ver. 

Yo no la vi nunca, porque, si bien, tuvo un gran impacto en su momento; no se vio más por ahí. Y este fin de semana largo de mayo, muy político con la lata del mensaje presidencial, la descargué del internet y la disfruté mucho, a pesar de lo horrible de su tema de fondo. Y no estuvo mal verla por primera vez 54 años después de estrenada; la verdad es que ahora me pareció tremendamente real y muy presente en la sociedad actual. Además de toda una poesía. Muy buena Marguerite Duras con sus diálogos.

Son dos personas, dos ciudades, dos traumas... en fin, dos mundos que se mueven sobre el marco del horror de una guerra y sus graves consecuencias. Ella es una actriz que está terminando de actuar en un documental por la paz en Hiroshima después de 14 años de la monstruosa matanza norteamericana sobre 200 mil personas que desaparecieron de la ciudad por una bomba atómica en unos 9 segundos, dejando como secuela un infierno impresionante a otras tantas miles de personas.

Él, es un arquitecto japonés cuya familia pereció completa mientras él estaba en la guerra. Se encuentran, se enamoran con sus memorias duras y sus cicatrices dolientes que dificultan, como nó, cualquier existencia. Para mi, era lo mejor que podía pasarles, encontrarse y amarse, pero no era fácil la cosa. A ella la atormentaba su pasado en Nevers (Francia) durante la invasión nazi, pero no fue tanta la huella que le dejó la invasión como el rechazo de su ciudad -los buenos- por enamorarse y tener una relación con un soldado nazi. Rapada y repudiada, por su familia y su gente quedará marcada y sin ese amor que la consumía.

Vale la pena verla y sacar las propias conclusiones. Demás está decir que las imágenes sobre la criminal deflagración provocada por el siniestro Harry Truman, impactan tremendamente. Bueno, espero que todavía sigan impactando, si no, estamos perdidos.

                                                   

El Salvaje

En castellano, El Salvaje.  En inglés, The wild one.

La he vuelto a ver después de tantos años, que fue como verla por primera vez. Hay cierta diferencia entre la realidad de 1953 y la del 2013, vaya si la hay. Los terribles motoqueros que, según el guión, aterrorizan un tranquilo pueblo norteamericano, son niños de pecho comparados con los monstruos de maldad que ponen actualmente en algunas películas sobre el tema de bandas; en moto, coche o a pie. En El Salvaje, la maldad de los grupos motoqueros es más aparente que real. Son tipos desagradables, bulliciosos y, en algún momento irrespetuosos con el bien público, aunque, sin llegar a un vandalismo como el que se ve en cualquier manifestación de protesta en cualquier ciudad del mundo actualmente.Y el salvaje de la película no pasa de ser un joven arisco con su tranca de la niñez que lo lleva a una vida más bien errática unida a un grupo que le daba seguridad. Todos arriba de sus motos.

El director de la película se llama Lazlo Benedeck y su actor principal es un Marlon Brando de 30 años, gran actor ya, muy convencido de su papel, imponiéndose más con sus miradas y tonos de voz que con su figura, más bien baja y algo gordita bajo unos jeans poco ajustados y una chaqueta de cuero genial. Su gorra tampoco estaba mal; con ella puesta no había mirada ni frase que no tuviera vibraciones hasta recónditos lugares.

En la acción había tres tipos de personas: los molestos y más bien estúpidos motoqueros; los que estaban “aterrorizados” ante la experiencia y preferían dejar pasar todo hasta que se fueran; y los  verdaderos siniestros de la película que son esos conocidos malos de siempre tanto, en films como en la vida real: el grupo manejado por el poderoso caudillo adinerado del pueblo y que, lejos, fueron los más violentos y despreciables de la historia.

Hay que verla; no digo que sea una gran película, pero, definitivamente, es lo que se llama película de culto. Lo digo, porque me he fijado que le están llamando de culto a cualquiera que impactó de alguna manera pero sin dejar una impresión palpable en algún o algunos sectores de la sociedad. Pero eso es tema para una entrada aparte.

Esta película, El Salvaje, institucionalizó la chaqueta de cuero para siempre jamás, las gorras y, claro, las motos. Que yo me acuerdo muy bien, era chica, pero anduve mucho con los amigos motoqueros de mis tías agarrada con pánico a sus chaquetas de cuero.  

Desayunando en Tiffany

Desayuno en Tiffany

Oh el Cine!!... y  allí quedaron los tres, ella, él y el Gato bajo la lluvia. Una hermosa película , Blake Edward un director virtuoso, Henry Mancini y su música Moon River en los oidos , todo hermoso porque Hollywood teme la vida   estilo Queer, que es el verdadero drama de fondo que el escritor Trumann Capote refleja en su libro.

Pero aun así, la novela es genial y la película hermosa y romántica. Los amores de una prostituta y un gigolo, ambos considerados parásitos sociales, se aman aunque sean demasiado parecidos, y sabemos que su relación esta condenada al fracaso, pero nos quedamos para siempre con Audrey y George y Gato abrazados para toda la eternidad ..OH CiNE cómo te amo!! 

Gato es mejor que el perro Asta de Nick y Nora..

La Hada del Cine

"Estamos hechos del mismo material de las películas" (la Hada del Cine)

"A mí, la nave del cine en penumbras me causaba fascinación; me parecía una especie de caverna misteriosa, secreta, siempre inexplorada. Al atravesar las pesadas cortinas de terciopelo me daba la ilusión de pasar del crudo mundo real a un maravilloso mundo mágico. Nos sentábamos en primera fila, casi pegados a ese enorme telón blanco que yo veía como el altar mayor de una iglesia. La culminación de todo ese ritual lo constituía el instante maravilloso cuando se apagaban las luces, se cerraban las cortinas, se callaba la música y la pantalla se llenaba de vida y movimiento.

Yo quedaba como suspendida en el aire.

Ese era el climax del extraño sortilegio que sobre mí ejercía el cine. Sobre mí y sobre mi madre. Ahora lo sé. La diferencia entre nosotros y mi padre con mis hermanos, era que a ellos el cine les gustaba; a nosotras nos volvía loca.

Al apagarse las luces todos se enderezaban y ponían tiesos frente al telón. Yo no. Yo giraba la cabeza para ver aparecer el rayo de luz que salía por las ventanillas de la sala de proyección y recorría el espacio sobre nosotros hasta chocar con la pantalla y estallar en imágenes y sonidos. Y muchas veces, cuando la película no era todo lo entretenida que yo hubiese querido ( mucha conversa y poca acción), dejaba de mirarla para contemplar embelesada ese mágico haz de polvillo luminoso. Me parecía un prodigio que aquel chorro de luz pudiera transportar cosas tan impresionantes como trenes perseguidos por indios a caballo, buques de piratas en mares tormentosos y dragones exhalando fuego por sus siete cabezas. Yo entonces pensaba que por ahí también fluía la voz, el estampido de los disparos, las canciones tan bonitas de los mariachis de las películas mexicanas. Luego aprendí que no. Como aprendí muchas otras cosas, algunas más bien de corte técnico, por ejemplo, que eran 24 cuadros por segundo -o fotogramas- los que pasaban ante los ojos de los espectadores para hacer la ilusión del movimiento. No sabía de qué me iba a servir esa clase de datos, pero yo quería saberlo todo sobre el cine. Esto ocurrió cuando me dio por leer las revistas Ecran que descubrí en la biblioteca de la Oficina. 

Las leía como desaforada."

(De "La contadora de películas" Hernán Rivera Letelier)

Un hombre llamado Flor de Otoño

Me gusta el cine español, sobre todo el posfranquista que no tenía el impedimento de la censura a muchos niveles, por lo que durante la dictadura de Franco las mejores películas se hacían fuera de España. Me tocó vivir allí el inicio de la democracia y la aparición de un cine en el que se podía plasmar situaciones y emociones sin más obstáculos que el que cada uno se imponía en aras de una obra redonda o de un buen arte y también del buen gusto. En ese principio en que prevalecía, me dio la impresión, lo de “ni tan allá ni tan acá”.

“Un hombre llamado Flor de Otoño” fue una de las películas, de la época que hablo, que me gustó y me pareció impecable en muchos aspectos. La vi en su momento (1978 o 79) y la he vuelto a ver ahora. Basada en una historia real muy bien ambientada y con la excelente actuación de José Sacristán, muestra un personaje atípico para la época y nivel social. Un abogado de clase media alta, homosexual y anarquista. Más que una doble vida, triple. Increíble.

Pedro Olea, su director, la borda. Quizás se queda corto para el gusto de muchos en crudeza; porque los mundos en que Lluis, el personaje, vive; son extremos todos. Mucha cocidia en uno, mucha sordidez en otro y mucha tensión y peligro en el otro. Pero creo que fue suficiente con lo que se nos muestra,  porque en este momento que se vive, no se necesita mucho más de esas imágenes y acciones tan bien creadas por Olea, para experimentarla. 

La recomiendo.  

Ciudadano Kane

Hace unos 35 años atrás vi Ciudadano Kane y este fin de semana la he vuelto a ver impresionándome más que entonces. Increíblemente, el tiempo no le ha quitado una pizca de vigencia a ningún aspecto desde el que se le quiera tratar. No me extraña que esté considerada entre las 10 mejores películas de la historia del cine, y no creo que pierda nunca ese lugar. Orson Wells fue un genio en lo que se refiere a mostrar al público su percepción de cualquier situación, tanto a través del guión como del manejo de las cámaras.

Fabuloso, no encuentro otra palabra.

Cuando la vi por primera vez, con el golpe de estado en Chile a flor de piel, capté a Kane como el típico lucrador egocéntrico que con el verso de ser muy americano y ocuparse del pueblo como primera motivación, adquiere riquezas y poder inagotablemente, sometiendo a todo el mundo bajo su control por medio del dinero.

Pero el ciudadano Kane no era un simple capitalista egoico, estaba por encima de eso, incluso de los grupos de poder, aunque el discurso era el mismo. En una gran escena, el personaje que encarna Joseph Cotten, Leland, amigo de él desde su época de estudiante, interpreta muy bien a Kane. Éste ha perdido las elecciones a gobernador por el escándalo del engaño a su mujer con una cantante con la que se casa después.

Esta escena se filma completa con la cámara desde abajo, como si el que la estuviera filmando fuera el apuntador que se ubicaba en los teatros para soplar a los actores. Es un toque magnífico que hace sentir con más “nervios” la tensión entre los dos. “He traicionado la sagrada causa de la moral ¿es eso?”, dice Kane; pero, en realidad, no es eso lo que ve Leland: “Siempre has hablado del pueblo como cosa tuya, como si te perteneciera, desde donde yo recuerde, has hablado de concederle al pueblo sus derechos como si pudieras devolverle la libertad en recompensa por sus servicios prestados, ¿te has olvidado del trabajador?... No te va a gustar cuando llegue el momento en que te enteres que TU trabajador reclama lo que le pertenece por derecho propio y no como un regalo tuyo, Charly. Cuando todos esos pobrecitos tuyos lleguen a unirse, ya verás; serán más poderosos de lo que te imaginas. .. Lo que pretendes es persuadir a los demás que los quieres tanto que no tienen más remedio que quererte a la fuerza...”

Esta es la perfecta descripción no sólo de Kane, sino del siniestro poder económico que conduce el mundo regido por el capitalismo; y el problema con el ciudadano Kane es que lo quiso hacer solo, después de todo, como dijo su principal asesor, Bernstein: “Hacer dinero es fácil si únicamente te dedicas a eso"; por lo que terminó derrumbándose todo el imperio por él creado. Los grupos de poder no lo perdonaron, el pueblo, controlado por esos grupos, no lo perdonó. Después de todo, ya a esas alturas... todos hipnotizados y manejados por el capitalismo, como hasta el día de hoy.

Otro toque magistral, quizás el mejor, es Rosebud, la palabra que dijo antes de morir y que sólo el público se entera a qué se refería... y que no era sólo el nombre pintado en su trineo de niño.

Las luces, las sombras... siluetas hablando. Puertas y pasillos por donde pasaba un personaje, mostraban la emoción del momento. La ubicación de cada personaje dentro de las escenas y la de la cámara, las luces, las sombras, las distancias entre los actores; todo participando en el perfil de la trama, de las sensaciones y emociones inherentes a la historia. Todo genial.

Los actores en su mayoría debutaban. Los más conocidos después de Orson Wells; Joseph Cotten y Agnes Moorehead. Orson Wells, magistral. El ideal es verla subtitulada.

Una gran película que no se puede dejar de ver.

Barbara Stanwyck eterna

Bastaría con su  nombre y nada más, su biografía y su filmografia  las podemos encontrar en internet, pero está en mi sentir profundo rendirle un  sincero y humilde post a su persona, aunque nada de lo que yo diga cambiará para nada su fulgor en el firmamento del celuloide.

Desde que salió de una torta en su segunda película " Mexicale Rose" en 1929, que ella misma la calificó como aborto y casi la lleva a renunciar al cine, ha sido una mujer sorpresa, en cada película suya un nuevo pesonaje queda en la Historia del celuloide.  He visto sus películas  de la época precode  y allí ella me fascina, es memorable, eterna,  llenando la pantalla con un encanto que es  diferente, no es una volupuosa Ava Gardner, ni una emocional Bette Davies, Barbara es un elfo. una salamandra, una bruja, un hada, una amazona, cubriendo la pantalla .
La vi en Stella Dallas, un melodramón  de aquellos que hacían llorar a las abuelas, mujer de pueblo, que no se siente a gusto con los de su clase y consigue casarse con un rico aristócrata, del cual tiene una hija, por supuesto que ella no encaja en la sociedad del "buen gusto' a la cual está ligado su marido, es duro ver cómo ella trata  de caer bien a los demás, de hacer bien su papel y por supuesto nada le resulta, con un gusto extravagante, sus vestidos de  colores adornados con  pieles y encajes  y con joyas y baratijas realmente fascinantes por su rareza  pero que resultaban horrorosos para los ojos de los demás pero por su manera de ser franca y alegre tampoco era aceptada, lo que lleva  a la infelicidad de la pareja y el consiguiente divorcio. Aunque Stella no puede entender el por qué del rechazo,ya que nadie es conciente de si mismo.Stella no se da cuenta lo mucho que su hija la ama , porque Stella es  por sobretodo MADRE ,una buena madre, un madre de las series radiales, una madre que al final entiende que para que su hija se case "bien" debe alejarse de ella..Ay, si pudieran ver la película al final cuando Stella esta en la verja de la casa de su exmarido,mirando con lágrimas la boda de su hija....ningún ojo queda seco..

Creo que Stella Dallas fué el preámbulo para dar paso a las famosas series radiales que luego llegaron a nuestros hogares...

 Hay muchas películas de Barbara  que marcan un estilo de mujer, como aquella del cine negro por excelencia  "Perdición" donde trabaja junto Fred Macmurray, una de las obras maestra del cine de este género donde hace de la inolvidable "femme fatale" la bella y escandalosamente sexual y libidinosa, Phillys Dietrichson, con una peluca rubia Barbara  está más que genial. está eterna.

Goodbye Again

En casi 50 años, han cambiado las modas y  nos hemos modernizado mucho tecnológicamente, pero lo que es en el amor y las relaciones, pocazo o nada ha cambiado. En esta película, Goodbye Again, adaptación del libro de François Sagan, la interrogante sobre qué es el amor es la misma y los diferentes problemas que surgen de las relaciones, igualmente siguen siendo difícil de manejar.

Aquí hay problemas en las dos relaciones planteadas; la de Paula (Ingrid Bergman) con su pareja desde hace unos cinco años, Roger (Ives Montand), egoísta, incapaz de comprometer su independencia en una relación estable y leal con la mujer aunque la ama y necesita; y la relación que se produce tras el desengaño de una reciente infidelidad de Roger; de Paula con Phillip (Anthony Perkins), un joven de 24 años, inestable e inmaduro que la ama mucho pero que está muy lejos de ser el ideal para Paula, además de que la sociedad ve terriblemente feo esa gran diferencia de edad entre la cuarentona y el joven Phillip. Ahora sigue siendo igualmente mal visto, sólo que a los afectados no les importa tanto, o por lo menos, no lo denotan ni se dejan separar por esto.

Roger, que necesita a Paula, se casa con ella, que ha abandonado a Phillip rompiéndole el corazón, porque realmente está total y definitivamente enamorada de Roger.

Una verdadera lata para Paula, porque ninguno de los dos hombres son una promesa de felicidad para ella (y yo diría que para nadie).

El ego nos da vida, el ego nos destruye. Me gustó ver esta película del director Anatole Litvak con íconos del cine internacional. Un lujo ver actuar juntos a Ingrid Bergman, Tony Perkins e Yves Montand. Me sorprendió una especie de Josephine Baker cantando e interactuando con Tony Perkins en unas escenas; era Diahann Caroll, una mujer negra muy simpática que vi alguna vez, por finales de los 60 en una serie de televisión.

Recomiendo la peli...

Espartaco y McCarthy

La famosa ley McCarthy y la caza de brujas tocó con su viscosa mano negra también al cine y a muchos de su magnífico mundo...Ese libro de Kirk Douglas debe ser interesante.(Nota extraida del Mostrador.com)

Kirk Douglas cuenta en un nuevo libro las dificultad que tuvo que sortear hace ya más de medio siglo durante el rodaje de la película “Espartaco”, cuando el senador Joseph McCarthy atemorizaba a los cineastas estadounidense a los que incluía en su lista negra de comunistas durante la caza de brujas.

“Esa caza de brujas destruyó vidas y carreras, y yo hice Espartaco con un guionista que estaba incluido en la lista negra y que tuvo que esconderse tras un pseudónimo para encontrar trabajo”, explicó hoy Douglas en un comunicado con motivo de la publicación el próximo mes de junio del libro “¡Soy Espartaco!”.

La estrella de Hollywood recordó que estaba haciendo aquella película épica sobre la libertad “en una época en la que la libertad en Estados Unidos estaba en peligro”, y dijo ver “paralelismos” con el clima político actual, motivo que le llevó a poner por escrito sus recuerdos sobre el rodaje de la cinta.

El libro, el décimo que publica el actor estadounidense a sus 95 años, cuenta con un prólogo de George Clooney y saldrá a la venta el próximo 12 de junio en papel y en formato digital, y también estará disponible en audio, con la voz de su hijo, Michael Douglas, según detalló la editorial Open Road.

“Kirk Douglas es muchas cosas, una estrella de cine, actor, productor, pero, ante todo, un hombre de un extraordinario carácter, la clase de persona a la que siempre miramos en los momentos más oscuros”, dijo por su parte Clooney, que ya mostró su interés en la caza de brujas en las cinta “Buenas noches y buena suerte”.

Douglas, que ya abordó en su primer libro, “El hijo de Ragman”, las amenazas que enfrentó y las decisiones que tuvo que adoptar para rodar “Espartaco”, cuenta ahora la “historia definitiva” sobre la filmación de este “icono del celuloide” y del vergonzoso clima político de aquel tiempo, según su editora, Jane Friedman.

Cinéfila incurable..

Me es dificil admitir que soy una cinéfila tal vez porque los adictos jamás admiten  que su adicción es un problema y se  repiten a si mismos que todo esta bajo control.Tampoco sé mucho de cine y ni me preocupa demasiado leer o estudiar sobre él. Tampoco  sabría decir qué  grado de cinefila adolezco tal vez porque no admito ver una película como una actividad más de ocio, para mí ver una pelicula podría tomar varios matices, uno podría ser inmolarse voluntariamente en la oscuridad olvidándose de uno mismo  o lograr mirar la vida como desde una ventana, sin participar en ella, ni responsabilizarse de nada, como un infante que observa la trama de la vida de sus padres y que sin saber deja que le influya en la vida .Debo confesar que el grado de cinefilia que poseo  no dependen de si sé mucho de  fotografia o por me gusta la actuación de fulano o merengano, o la direccion de la trama, o por la música misma, a un cinefilo le gusta una  pelicula por la delicia que  provoca  el conjunto de todo ello. Como el cinéfilo no pertenece  a la industria del cine, sino que el cine le  sirve a él , tiene la facultad  de hacer de la pelicula lo que le place

Hace muchos años que dejé de ir al cine, podría  darme algunas razones pero como todo en  la vida, ellas no son realmente   razones de peso, tal vez  no acudí al cine por no me apetecia, me cansaba o me aburria, no tenía dinero, o no tenía tiempo. solo veía películas que daban en la TV,  ahora con el Internet descubrí un gusto nuevo, un pecado nuevo, ese cine clásico, moderno o contemporáneo que apareció para reemplazar todas esas actividades que antes me impidieron  ver las películas o sea que podemos decir que en el mismo mal está el remedio..


Podria  ahora decir  que un cinéfilo llena  con  las peliculas  el  vacio que dejaron aquellas actividades que lo alienaron, esos deberes que cumplieron para "vivir " .El  cine, para un cinéfilo,  vuelve en un momento oportuno para el  pasar el tiempo divino..porque¿ qué es la vida..sino un camino con principio y fin..?.y que hay que pasarlo lo mejor posible  

Aniversario de la Revista Ecran 2.parte

La revista  Ecran podria conformar  algo asi  como un bucle en mi memoria, no  siempre está  presente, no forma parte de mi repertorio de recuerdos cotdiianos, ni provoca lágrimas ni nostalgia en  mis horas de reflexión , sino  que la siento como unos de los  jeroglificos que conforman  mi ADN materno, aquellos genes proporcionados por mi abuela,  que vivió su infancia , juventud  y madurez yendo al cine  todos los días y que están empapados de este amor sin fronteras por el cine.

 Tal vez es por eso que  cuando veo  peliculas mudas o sonoras  las "clásicas" siento  a  toda una generacion que ya no está  revive en mi. y una agradable sensacion gris plata que huele a vainilla y alcanfor, me acurruca en sus brazos y vuelo a ese mundo que con una tecnología  primitiva  me permite acariciar ropajes sacados de algún cofre de bisabuelo, cortinajes y manteles tejidos a crochet, ver mujeres hermosas enfundadas en vestidos blancos brillantes sentadas  en alguna fuente adornada de margaritas, gozar de un Gary Cooper mirándote a los ojos con esas miradas que seguramente emocionaron a nuestras abuelas o bisabuelas hasta las lágrimas y una Carole Lombart o Hedy Lammar formando parte de las fantasias de los hombres que usaban gomina.
    El Ecran además de significar revista de cine, era para nosotras  libertad y vacaciones en la casa de mi abuela, creo que mis tias tenían todos los números o al menos es lo que creíamos,estaban ordenados  haciendo montoncitos en el cuarto de los tachos viejos. Los  leiamos con ahínco y realmente yo en particular no sé qué era lo que leia, la verdad sea dicha, pero creo que absorbíamos la energía que estaba concentrada en la  revista que habia sido ya leida y reeleída por mi abuela y tiás y que surtió un efecto mágico en nuestras mentes infantiles y asi como un efecto infuso, un alimento para el alma.
Rindo un  homenaje a la revista que adorna mi alma y que más que herencia materna es el escape hacia una vida interior alimentando mi imaginacion y viviendo con gusto lo que mi abuela me brindó.

Aniversario revista Ecran

Hoy, 7 de abril, hace 82 años apareció en los kioskos la revista "Ecran", el primer  y más importante  magazine dedicado al cine mundial en Chile.

Heredando del lado materno algo más que una afición al cine, puedo decir con toda propiedad, que en mis inicios con el alfabeto y la escritura, esta revista Ecran fue de las primeras que mis ojos devoraron. Mis tías, como una promesa indeclinable, lo compraban puntualmente semana tras semana y cuando viajábamos a verlas, con ellas y mi abuela, que era la causante del vicio familiar, nos empapábamos de cine (diariamente), de conversaciones y de la lectura, con la maravilla que era para mí, de la Revista Ecran.

Vaya aquí mi homenaje por todo lo que aportó a mi fantasía y afición en el increíble mundo del cine.

http://www.memoriachilena.cl/temas/index.asp?id_ut=ecran,1930-1969

En este link podrán informarse de más detalles. La imagen pertenece al primer Ecran publicado.

"The Thin Man" a la Hora del Pato

 

He topado últimamente con una serie de películas divertidísima, con diálogos inteligentes y sarcásticos y una actuación de primera, se trata de la serie de The Thin Man   basada en la novela del mismo nombre "The Thin Man", de Dashiell Hammett, novela de detectives, tipo B, cuyos protagonistas son Nick Charles, un detective retirado  que trabajaba en los bajos fondos y su esposa millonaria Nora Charles, y su perro Asta...
Bajo este nombre, la  Wagner hizo seis películas, entre 1933 a  1947, la primera película se llamo en castellano   "La Cena de los acusados" a  dicha película le siguieron ‘Ella, él y Asta’ (After the Thin Man, 1936), ‘ Otra reunión de los acusados’ (Another Thin Man, 1939), ‘La sombra de los acusados’ (Shadow of the Thin Man, 1941), ‘El regreso de aquel hombre’ (The Thin Man Goes Home, 1944) y ‘La ruleta de la muerte ‘(Song of the Thin Man, 1947). 
Sus actores fueron William Powell y Myrna Loy, su química es fantástica. Probablemente sea el matrimonio más bien avenido que ha pasado por una pantalla de cine, por sus diálogos chispeantes, metiéndose el uno con el otro sin dejar de admirarse mutuamente y denotando un cariño sincero, diálogos irónicos, chispeantes y mordaces, y por su trato atrevido, burlón y chocante, del todo exento de sensiblería y cursilería.

 Hoy me enteré, que como toda cosa buena tiene su remake, Johnny Depp reencarnará a Nick pero aún no hay una actriz que  llegue a la altura de una Myrna Loy que es a lo lejos, lo mejor en la serie  por su simpatia, su glaumour y su espontaneidad.

Hay que recalcar algo importante, The Thin Man  fué la comedia detectivesca precursora del famoso cine negro, ya que el fotógrafo   el chinoamericano James Wong Howe ("Yankee Dandy"), presenta esas combinaciones de luz, claroscuros, contrastes de color y proyección de sombras, que anticipan la estética visual del cine negro americano. La   música juega un papel primordial, suave y reconfortante y el guión nos muestra una sesion vertiginosa de enredos,confución  y desenlances poco importantes, porque es la película en si lo que hay que gozar. 

 Y casi se me olvida, está también Asta, el perro, es todo un personaje en la serie, que acompaña a Nick y Nora en todas 
sus expediciones nocturnas, en busca de los criminales.
Hay diálogos tan divertidos que aún hoy en día, te sacan más de una sonrisa, ayer me reí en una parte que uno de los amigos del acusado, que es inocente, le dice a Nick, nos juntamos en los jam sesions a la hora del pato..y Nick le pregunta..que cual es la hora del pato?? éste le mira incredulo y le dice..Las dos am..y Nora le dice..ves ..a la hora del pato...jejeje